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Le Museum für Gestaltung de Zurich a une histoire impressionnante. Depuis sa fondation en 1875, il joue un rôle important dans la promotion et la visibilité du graphisme, du design, de l’artisanat et des arts appliqués.

L’exposition actuelle en témoigne également. Dans le grand hall du musée, le textile se déploie comme un moyen d’expression artistique. Tissés, brodés, appliqués ou tuftés: l’originalié et la variété des moyens d’expression textiles ne sont plus à démontrer.

L’exposition Manifestes textiles- du Bauhaus à la Soft Sculpture réunit une soixantaine de travaux aux multiples facettes. Elle présente des pièces anonymes côte à côte avec des artistes connus. Il en résulte des voisinages surprenants qui rassemblent des points de vue comparables de différentes époques, du Bauhaus à aujourd’hui. Les textiles formulent des déclarations et posent des exigences.

Reliés par la douceur des matériaux et le choix des techniques, les objets exposés  s’entrelacent pour former une expérience impressionnante. Les objets côtoient également des sculptures. Des commentaires audio à plusieurs voix permettent d’aborder certains thèmes comme la floraison actuelle de l’art textile ou l’évolution du Fiber Art.

Le Zentrum Paul Klee consacre une grande exposition au Corbusier (un pseudonyme de Charles-Édouard Jeanneret (1887-1965), artiste, architecte, urbaniste, designer, écrivain et théoricien. L’exposition (Le Corbusier. L’ordre des choses)  s’intéresse à l’élaboration de son travail ainsi qu’à sa pensée plastique.

Elle propose un large aperçu de l’ensemble de son œuvre à partir d’une perspective artistique à travers des pièces iconiques mais aussi des groupes d’œuvres encore peu connues.

Il compte parmi les pionniers de l’architecture moderne et Figure centrale de la modernité internationale parmi les plus marquantes et influentes du monde.

Dans son œuvre, il ambitionne de repenser les habitations et l’espace urbain. Son approche réunit l’art, le design et l’architecture. Il aspire à créer un nouvel environnement de vie et à améliorer la qualité de vie des gens avec une architecture fonctionnelle et esthétique.

Pour ce faire, il met à profit les nouvelles possibilités du progrès technique et les associe à des principes esthétiques classiques tels que le nombre d’or. Le Corbusier propose d’utiliser les produits des technologies modernes, à l’instar du paquebot, de l’avion et de l’automobile, comme modèles pour l’architecture, leur forme étant proportionnée à leur fonction.

Dans ses bâtiments, il recourt au béton armé et élabore des méthodes pour utiliser de manière innovante les possibilités artistiques et sculpturales de ce procédé de construction moderne. «

L’exposition met en évidence l’élaboration du travail de Le Corbusier, sa pensée plastique et ses expérimentations artistiques au sein de son “ Atelier de la recherche patiente », ainsi désignait-il sa démarche artistique.

Elle révèle son approche par tâtonnement de la forme, mais aussi de la composition et de l’espace, de la lumière et de la couleur. La présentation rassemble de nombreux dessins et études provenant de son atelier.

Pour Le Corbusier, le dessin a toujours été un moyen fondamental pour garder en mémoire ce qu’il avait vu et l’assimiler, ainsi que pour concevoir de nouvelles idées.

L’« ordre » jouait un rôle primordial pour Le Corbusier. Avec cette notion, l’exposition s’empare en outre d’un thème du champ de l’histoire de l’art et de la culture, intelligible et universel, remontant à l’Antiquité et toujours actuel.

Comprendre le monde et l’organiser à travers l’ordre, était, selon lui, le devoir de l’art et de l’architecture. Il partage avec l’avant-garde artistique de son époque l’élan radical de remettre en question les traditions et de repenser entièrement l’espace de vie des individus.

Elle comprend la conception des espaces et la structure des villes jusqu’à la question de l’organisation du vivre-ensemble. Elle relie l’art et l’architecture, la culture et la société. Art, architecture et recherche.

L’exposition s’articule de manière thématique et chronologique autour de trois axes : l’art, l’architecture et la recherche.

L’exposition « Verso » montre ce qui se cache au dos des tableaux et des œuvres peintes (religieuses) du XIVème au XVIIIème siècle. Trente-six œuvres d’art de la collection du musée sont présentées dans une disposition spécialement conçue pour permettre aux visiteurs de voir les deux faces des tableaux.

À cette époque, ces œuvres d’art n’étaient pas exposées dans les musées, mais exclusivement dans l’environnement de mécènes religieux ou laïques. À l’époque, la signification était claire dans leur contexte.

Dans les musées, ce contexte fait défaut et, aujourd’hui, la signification du symbolisme et de la visualisation est le plus souvent inconnue. Le verso offre souvent des informations et, parfois, il s’agit même d’œuvres d’art en soi. C’est ce qui rend cette exposition originale si intéressante.

Hans Holbein le Jeune, 1516, Jacob Meyer zum Hasen (maire de Bâle) et son épouse Dorothea Kannengieser avec les armoiries de la famille appliquées au ‘verso’ en 1520. Kunstmuseum Basel, Amerbach-Kabinett

L’exposition présente un contexte historique, social, religieux et dynastique qui ne peut normalement être étudié que par le personnel du musée. L’exposition ouvre ainsi de nouvelles perspectives sur des œuvres d’art même très connues (entre autres de Hans Baldung, Lucas Cranach l’Ancien, Hans Holbein le Jeune, Ambrosius Holbein et Konrad Witz).

Artiste inconnu, XVIème siècle. Image de David Joris alias Johann von Brügge, vers 1544. Inscription en latin et en allemand apposée en 1559. Kunstmuseum Basel, Amerbach-Kabinett

L’exposition présente différentes facettes avec des images « verso » en huit sections et offre une multitude d’observations sur les motifs, mais aussi, par exemple, sur le matériel réutilisé.

L’exposition s’achève aussi sur les cas où les artistes explorent le rapport entre les faces avant et arrière d’une œuvre. Par exemple, en 1517, Niklaus Manuel Deutsch crée un trompe-l’œil: son fin tableau a l’apparence d’un dessin en clair-obscur sur papier coloré caractéristique de cette époque.

Niklaus Manuel (dite Deutsch), 1517, Bathsheba baignant (recto); le mort comme soldat et une jeune femme (verso) , 1517. Collection: Kunstmuseum Basel, Amerbach-Kabinett. Photo : Martin P. Bühler

Le peintre a également muni la face arrière d’une représentation encore plus spectaculaire que celle de la face avant,  utilisant les deux côtés de la feuille.

Impressions de l’exposition

Le maître de Sierentz, St. George et le dragon, vers 1445, la lamentation du Christ, aile droite d’un retable. Collection: Kunstmuseum Basel, Amerbach-Kabinett. Photo Martin P. Bühler

La Fondation de l’Hermitage accueille 136 chefs-d’œuvre du Petit Palais de Genève, une collection impressionniste et postimpressionniste particulièrement originale. Réuni à partir des années 1950 par Oscar Ghez (1905-1998), cet ensemble témoigne d’un esprit de collectionneur remarquablement libre.

En effet, l’industriel s’intéressa à la peinture de la fin du 19e siècle et du début du 20e siècle sans limiter ses choix aux grands maîtres. Ainsi, il fit l’acquisition de magnifiques tableaux d’Édouard Manet et d’Auguste Renoir, mais également de toiles somptueuses d’artistes moins connus alors, comme Gustave Caillebotte, Charles Angrand, Maximilien Luce, et Louis Valtat, dont certaines sont devenues depuis des icônes.

L’une des singularités de la collection d’Oscar Ghez est la présence ancienne, et nombreuse pour son époque, d’œuvres de femmes peintres. L’esprit anticonformiste du collectionneur, et sa conviction que ces artistes n’étaient pas reconnues à leur juste valeur, lui font s’intéresser, dès la fin des années 1950, à Marie Bracquemond, Suzanne Valadon, María Blanchard, Nathalie Kraemer, Jeanne Hébuterne, ou encore Tamara de Lempicka, dont les carrières artistiques ont été progressivement découvertes depuis.

De la même manière, c’est par les chemins de traverse qu’il aborde les courants principaux de la peinture figurative : aux côtés des grands noms de l’impressionnisme, du néo-impressionnisme, du fauvisme, de l’École de Paris et du cubisme, figurent des œuvres extrêmement originales d’artistes moins connus durant la deuxième moitié du 20e siècle.

Le Centre Dürrenmatt Neuchâtel (CDN) présente l’exposition ‘Imaginaires atomiques‘ sur le regard porté par Friedrich Dürrenmatt (1921–1990) sur la bombe atomique, en associant à ses œuvres celles d’artistes contemporains.

Profondément marqué par l’arrivée de cette invention qui a changé le destin de l’humanité, Dürrenmatt y réagira par une riche production picturale et littéraire, mais aussi par un engagement citoyen pacifiste.

Dans sa célèbre pièce Les Physiciens, dans laquelle il aborde la question de la responsabilité des scientifiques, mais aussi dans ses caricatures ou sketchs de cabaret, il recourt à l’humour, au grotesque et à la parabole pour avertir l’humanité du risque de sa propre destruction.

Aux œuvres de Friedrich Dürrenmatt sont associés les travaux des artistes suisses Vanessa Billy (*1978), Christine Boillat (*1978), Miriam Cahn (*1949), Alain Huck (*1957) et Gilles Rotzetter (*1978), qui apportent des éclairages contemporains sur un sujet plus que jamais d’actualité.

Des œuvres de Friedrich Dürrenmatt de la collection du CDN sont présentées égelament dans l’exposition ‘L’Âge atomique – Les artistes à l’épreuve de l’histoire‘ au Musée d’Art Moderne de Paris jusqu’au 9 février 2025.

La région de Viège, de Rarogne (Bietschtal), du Lötschberg (Steg-Hohtenn et Niedergesteln) et du Baltschiedertal est une zone sèche dans la vallée du Rhône.

Le climat sec et doux crée les conditions nécessaires à la viticulture, à l’agriculture et à l’élevage. Toutefois, l’irrigation est assurée artificiellement depuis des siècles par ce que l’on appelle des « bisses » (Suonen en allemand).

L’exposition permanente du Musée valaisan des bisses présente l’histoire et les multiples fonctions des bisses. Une dizaine de salles à thèmes vous permettent d’approcher l’univers complexe des bisses.

Histoire, géographie, techniques de construction, techniques d’arrosage et organisation sociale de l’irrigation y sont décrites de manière précise et didactique.

Des centaines de documents et d’objets, des médias interactifs, des films et une reconstitution de bisse grandeur nature, montrent les techniques d’irrigation développées dans l’Arc alpin et utilisées encore aujourd’hui.

Dans le cadre de son exposition permanente, le Zentrum Paul Klee de Berne s’présente également aux revues d’avant-garde du début du XXème siècle. Ces revues sont devenues un média important dans l’art, du futurisme au surréalisme en passant par le dadaïsme et au-delà.

Le phénomène de l’« avant-garde » artistique s’est développé en Europe dans les années 1910. Entre 1910 et 1933, de nombreuses revues ont été publiées. Elles présentaient une vision de l’art et de la société et attiraient l’attention sur les artistes.
Aujourd’hui, ces revues, dont les titres sont MERZ, Cabaret Voltaire, Sturm, Kentiku Sekai et Habitat, comptent parmi les documents les plus significatifs du modernisme mondial.

Leur conception, souvent extrêmement innovante, est particulièrement fascinante : de nombreuses revues d’avant-garde ont utilisé le design et la typographie pour rendre visuellement accessibles des idées et des concepts radicaux.

Ils ont repris des caractères, des couleurs et des formes expressives et ont travaillé avec des combinaisons excitantes de textes et d’images pour signaler le dynamisme et la rupture avec la tradition. Ils sont ainsi les précurseurs de la communication visuelle moderne et de la conception publicitaire, qui fonctionnent selon les mêmes principes.

Une autre innovation réside dans le fait que de nombreuses revues d’avant-garde étaient publiées en plusieurs langues ou contenaient du contenu en plusieurs langues. Ce multilinguisme reflète le monde de nombreux représentants de l’art moderne qui vivaient en exil ou étaient des migrants.

L’ Art contemporain et du XVIIIème siècle se mêlent avec des fantômes de papier venus en visite depuis la cour de Frédéric II (1712-1786), roi de Prusse et prince de Neuchâtel.

Frederick Beck, Frédéric II, roi de Prusse, 1788. Collection privée

Au Château de Nyon, les figures de papier sont disposées en une scénographie mettant en valeur autant le travail de leur créatrice Isabelle de Borchgrave (1946-2024) , qui s’est bien souvent inspirée de portraits de la cour de Berlin et Versailles ou, dans le cas du singe, d’une porcelaine de Meissen réalisée en 1731-, que de pièces de mobilier et, surtout, de porcelaines.

Et justement, entre Berlin et Nyon, le lien se crée par la porcelaine. En effet, Jakob Dortu, initiateur de la manufacture de Nyon en 1781, fait notamment ses armes dans la manufacture de Berlin, fondée par le roi Frédéric II.

De plus, les collections du musée ont la chance de posséder des pièces en porcelaine de Meissen à décors de chinoiseries qui trouvent leur place dans l’exposition.

Impressions de l’exposition

Mode um 1780

Le humoriste badois Peter Gaymann s’est inspiré de la région des Trois Pays pour créer de nouvelles planches de dessins et figures. Ses fameuses poules sont là, rejointes par des cochons, des femmes, des hommes, des enfants et des chats.

Ils font jeter un coup d’œil au-delà des frontières et dévoilent, outre les travers animaliers et humains, des similitudes insoupçonnées, des incongruités, des clichés et autres vérités du quotidien en France, en Suisse et en Allemagne.

Des objets étranges, surprenants et peu connus, conservés dans la collection du musée des Trois Pays, complètent l’exposition « Typique des Trois Pays» (Typisch Dreiland).

L’exposition est une coopération entre le musée des Trois Pays et Baaske Cartoons, Müllheim dans le Markgräflerland.

L’exposition « Matisse-Einladung zur Reise », à la Fondation Beyeler, présente plus de 70 œuvres importantes provenant de musées européens et américains renommés et de collections privées. Elle met l’accent sur le développement et la diversité de l’œuvre pionnière d’Henri Matisse (1869-1954).

Basée sur le célèbre poème de 1857 « L’invitation au voyage » de Charles Baudelaire (1821-1867), l’exposition invite les visiteurs à un voyage à travers l’œuvre et la vie unique de Matisse. L’artiste a effectué de nombreux voyages, tant dans son art que dans sa vie.

Au cours de ses explorations dans des pays tels que l’Italie, l’Espagne, le Maroc et Tahiti, l’artiste français s’est constamment inspiré de la nature et de l’art d’autres cultures.

La rétrospective couvre toutes les phases créatives de l’artiste français et présente une interaction indéniable entre la peinture, le dessin et la sculpture.