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Bien que la couleur soit de plus en plus populaire dans l’architecture en tant que design, les connaissances spécifiques diminuent. L’exposition (Farbgeschichten) met l’accent sur la couleur sous tous ses aspects et la trace comme moyen de design dans et sur les maisons et les bâtiments. Quels pigments sont particulièrement précieux et d’où viennent-ils ? Quelles couleurs caractérisent la Villa Patumbah richement peinte et quelles maisons de la ville de Zurich ? Et pourquoi des villes comme Magdebourg et Tirana ont-elles changé de couleur ? Le thème de la couleur offre une représentation infinie des questions que tout le monde a généralement à traiter, la plupart du temps inconsciemment.

En 1851, Carl Franz Bally (1821-1899), propriétaire d’un petit atelier de cordonnerie à Schönenwerd (Argovie), décide de diviser sa production de chaussures en plusieurs étapes et de la réaliser à la machine. C’était révolutionnaire et le début de la multinationale Bally, maintenant représentée dans 64 pays, et des magasins dans les rues principales de France, Londres et New York. L’exposition retrace l’histoire de l’entreprise et montre le développement du design, du marketing, de la publicité et de la production de chaussures jusqu’à ce jour. Bally a toujours été synonyme de qualité, d’esthétique et de confort et est constamment à la recherche de nouvelles possibilités, par exemple des chaussures  fonctionnelles (par exemple pour l’armée et les sports d’hiver).

L’exposition présente également les premiers magasins en France et la véritable image coopérative des Bally-shops, conçus par l’architecte Robert Mallet-Stevens ((1886-1945) dans les années 1930, les premiers magasins en Uruguay (Montevideo) et en Argentine (Buenos Aires) dès le XIXe siècle, grâce aux grandes communautés germanophones, et le premier magasin en Chine, en 1986, première multinational occidentale. L’exposition présente les matériaux des chaussures, des machines individuelles, le design, la publicité et l’une des premières chaussures pour femmes (1860) et le fameux Bally’proof labor’ et d’autres machines, bien que l’application manuelle est toujours une partie intégrante du processus de production. Une exposition claire, bien documentée et avec de nombreuses chaussures originales, des photos, des publicités et une exposition décorée d’histoire. En Suisse, les marques de montres de luxe sont produites depuis des siècles, mais la production moins connue de chaussures de luxe pour femmes et hommes de la meilleure qualité est également mise en avant de cette manière.

L’exposition «Joan Miró” montre principalement des graphiques extraits des œuvres tardives de l’artiste. La présentation monographique offre l’occasion de se livrer de manière approfondie à ces œuvres éminentes de la collection. Les œuvres de l’artiste espagnol llustrent la diversité artistique et technique de l’artiste, qui se considérait lui-même comme un peintre-poète. Joan Miró (1893-1983), tout comme ses contemporains Pablo Picasso, Max Ernst, Salvador Dalí et André Masson, fait partie des représentants les plus notables du surréalisme. Son esthétique dictée par l’abstraction est empreinte de formes symboliques et de couleurs claires et possède dans son langage figuratif emblématique et primitif en soi un haut degré de reconnaissance.

Dans les contes, le miroir est le symbole d’une porte vers un autre monde. L’artiste néerlandaise Viviane Sassen (1972) voit son travail photographique comme un miroir, une façon d’évoquer le monde du rêve et de se saisir de son subconscient à partir d’instants du quotidien. L’exposition, qui réunit des travaux réalisés au cours des dix dernières années, compose un récit inattendu de l’œuvre de cette artiste très remarquée sur la scène internationale, et qui s’apparente à l’autoportrait. Ainsi les poèmes visuels de l’artiste sont tels des miroirs renvoyant au spectateur ses questions plutôt que ses réponses.

L’exposition Tosa Shoji se concentre sur la pratique de la gravure de Alois Lichtsteiner (1950) et présente le fruit d’une décennie de travaux sur papier au fil des salles historiques. Résolument décidé à explorer de nouvelles voies, l’artiste met en œuvre des matériaux et des technologies contemporaines en les alliant à des méthodes ancestrales pour ouvrir des horizons inconnus jusqu’alors.

La Fondation consacre une grande exposition à la peinture anglaise de la période victorienne (1837-1901). À travers une sélection de près de 60 œuvres le projet illustre la richesse et la fascinante originalité de l’art anglais au XIXe siècle. Le parcours met en lumière trois générations de peintres actifs durant l’ère victorienne, J. M. W. Turner (1775-1851), John Everett Millais (1829-1896) et Dante Gabriel Rossetti (1828-1882), Edward Burne-Jones (1833-1898), Lawrence Alma-Tadema (1836-1912), James Abbott McNeill Whistler (1834-1903) et John Singer Sargent (1856-1925).

Vers 1800, la société civile telle que nous la connaissons aujourd’hui s’est formée. La bourgeoisie sûre d’elle fonda en 1819 de nombreuses associations et institutions d’enseignement, dont la Kunstgesellschaft Luzern, afin de créer des archives d’images pour la population. La présentation de la collection à l’occasion de l’anniversaire aborde cette époque révolutionnaire.

Judy Millar (1957) est la peintre la plus importante de Nouvelle-Zélande. L’esposition offre maintenant l’opportunité d’avoir un aperçu de l’ensemble de son œuvre, qu’elle a créée à Auckland et à Berlin au cours des quarante dernières années. En plus de sa série bien connue de peintures et de ses installations picturales, que l’artiste a souvent créées pour des musées néo-zélandais, les premiers dessins des années 1980 seront présentés comme la base de son travail.

L’exposition propose un magnifique presentation de 60 chefs-d’œuvre du fameux musée Ordrupgaard de Copenhague, qui rassemble les plus grandes figures de la peinture française du XIX^e siècle.

En 1945, le peintre français Jean Dubuffet (1901-1985) découvre en Suisse un terrain de collection et de recherche: dans la vie de tous les jours, mais aussi dans les hôpitaux, les prisons et les cliniques psychiatriques, il rencontre des gens qui réalisent, à des encablures du monde artistique officiel, des peintures gestiques, des assemblages et des dessins d’une grand sensibilité. Il rassemble sous le concept d’Art Brut ces formes artistiques intuitives et autodidactes. Aujourd’hui que l’Art Brut est reconnu à l’échelle du globe, il est logique de porter le regard vers l’histoire qui relie étroitement notre pays à ce genre. L’exposition de l’Aargauer Kunsthaus donne à voir des œuvres d’art suisses datant des débuts du XXe siècle à aujourd’hui et provenant de la Collection de l’Art Brut (Aloïse Corbaz, Adolf Wölfli, etc.), qu’il complète par des pièces en sa possession (Walter Arnold Steffen, Alois Wey, etc.). Parfois sauvages et libres dans leur geste, d’autres fois précises et riches en détails, ces œuvres racontent l’homme, la nature, l’architecture et la symbolique.