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L’artiste suisse Miriam Cahn a réuni dans cette exposition rétrospective toutes les facettes de son art : travaux expressifs sur papier, peintures à l’huile, sculptures monumentales, vidéos performatives et carnets d’esquisse inédits. L’exposition retrace les grandes périodes de création de l’artiste dans une chronologie et une scénographie privilégiant le décloisonnement thématique, en vue de transformer les espaces conventionnels du musée en une architecture spirituelle et sensuelle et de mettre en lumière leurs principes directeurs du point de vue conceptuel et esthétique. Nombre des oeuvres exposées ont été créées spécialement pour l’exposition ou bien sont des oeuvres clés appartenant à l’artiste.

Depuis plus de quarante ans, le Musée ethnographique de l’Université de Zurich conserve les collections tibétaines des alpinistes autrichiens Heinrich Harrer (1912-2006) et Peter Aufschnaiter (1899-1973) et les collections d’expédition de Heinrich Harrer des années 1960. Le 17 mai 1944, ils atteignirent le plateau tibétain. Sept ans plus tard, ils quittèrent la ville de Lhassa, chacun avec sa propre collection d’objets ethnographiques quotidiens et rituels, de nombreuses photographies en noir et blanc, des cartes et des croquis dessinés à la main et des centaines de pages de notes et d’entrées de journal. Pour la première fois, cette exposition établit un lien entre ces collections. C’est l’occasion de comprendre Harrer et Aufschnaiter en tant qu’acteurs dans des constellations historiques spécifiques, intégrés dans des réseaux de relations différentes, et comme une carte historico-culturelle raccourcie du Tibet.

L’artiste Tiffany Chung trace des ruines et des jachères pour découvrir des objets du quotidien. Le site de fouilles Thủ Thiêm, est un vieux quartier de Saigon (Vietnam). Les objets que Chung trouve dans ses recherches archéologiques ne sont pas des objets spéciaux. Ils sont les témoins de la vie quotidienne. Thủ Thiêm était un quartier animé, qui a dû faire place à de nouvelles constructions, qui ont détruit la structure sociale. L’artiste aborde ce progrès, qui fait la tabula rasa et a connu l’histoire, avec un projet différent : une cartographie artistique des dimensions spirituelle et historique d’un lieu de vie.

Des glaciers, sur lesquels des phoques se tiennent en rangs serrés, les dunes infinies du Sahara ou des monts à moitié disparus dans les brumes de la forêt amazonienne: Sebastião Salgado (1944) nous montre la planète comme une création d’une beauté grandiose et nous fait toucher à quel point elle est précieuse. Le photographe a parcouru les océans, escaladé les montagnes et traversé les déserts. Il a observé les animaux et est parti à la rencontre de peuples indigènes afin de fixer leur environnement et leur culture sur la pellicule. Genesis est un manifeste, dont les photographies en noir et blanc font bien plus que nous toucher : elles posent aussi des questions en suspens sur nos rapports à la planète.

Du XVe au XVIIe siècle, les artistes intègrent l’écriture à leurs œuvres d’une manière toute particulière. Fascinés par la forme des lettres, ils conçoivent avec art des alphabets dont les lettres sont formées par des corps d’hommes et d’animaux. Des dialogues, explications et titres sous forme de banderoles rendent les images vivantes et facilitent la compréhension de l’observateur. Cela est vrai pour les portraits, les scènes bibliques mais aussi les représentations d’événements historiques. L’exposition met en lumière les multiples interactions entre écriture et image au moyen d’œuvres remarquables provenant du Kupferstichkabinett.

Bob Brown (1886-1959) était convaincu au début des années 1930 : « Les livres sont des récipients de mots vétustes » – et bien qu’il était déjà d’avis à l’époque que les livres étaient périmés, les prophéties de la mort du médium ne se sont pas encore réalisées. Encore et encore, les artistes élargissent notre idée de ce qui peut encore être considéré comme un livre. Doit-il être lié ? Imprimé ? Composé de papier ?

Cyprien Gaillard (1980) décrit et met l’accent sur la destruction, la conservation et la construction continues des espaces urbains à travers des films, des photographies et des sculptures. Ses travaux portent sur la transformation continue du paysage urbain par rapport à la nature et à l’homme. Gaillard souligne que la construction et la destruction ne sont pas des concepts contradictoires, mais les deux côtés d’un même processus. Pour construire de nouveaux bâtiments, il faut d’abord démolir l’ancien, qu’il s’agisse d’un paysage, d’un autre bâtiment ou d’un no man’s land. Un nouveau bâtiment est toujours à propos de la destruction ou de la dégradation du précédent.

Tout juste âgé de 20 ans, Pablo Picasso (1881 – 1973 se lance à la recherche de formes d’expression et de thèmes picturaux toujours nouveaux. Les styles et les univers picturaux se bousculent; les « révolutions » artistiques se succèdent. L’exposition se concentre sur les périodes bleue et rose (1901-1906), phases centrales du travail de Picasso. Elle ouvre, en outre, la perspective sur l’émergence historique du cubisme vers 1907, qui se développe à partir des créations précédentes de l’artiste présentées ici sous une toute nouvelle lumière.

La lanterne magique ou laterna magica a été largement utilisée comme appareil de projection du 17ème au 20ème siècle. Initialement, la flamme d’une lampe, plus tard d’une lampe à incandescence, servait de source lumineuse, avec laquelle la lanterne magique, ou aussi la lanterne de l’horreur comme précurseur du projecteur de film, faisait vaciller les couleurs, images et histoires sur les murs. Les représentations ont eu lieu dans des foires, des cafés, des théâtres, des églises ou à la maison. Voyager avec le tapis volant des Alpes à l’étranger, les animaux sauvages, les drames naturels, les contes de fées et les scénarios infernaux, la laterna magica plonge le public dans une symphonie d’images.

L’exposition utilise les technologies modernes de projection et d’animation pour donner vie aux images historiques des plaques de verre. C’est une invitation à flâner dans les mondes scintillants de la peinture et à découvrir des histoires fascinantes dans le jeu de l’ombre et de la lumière. Les collections des Archives culturelles de Haute-Engadine, du Musée rhétique et de certaines collections internationales illustrent le développement de la technologie de projection et d’autres jeux optiques jusqu’à la technologie 3D la plus récente.

Oskar Kokoschka (1886–1980) fait partie de cette génération de peintres restés fidèles à la peinture figurative alors que l’abstraction renforçait sa prédominance, après la Seconde Guerre mondiale. Cette rétrospective revient sur les motifs et les motivations de l’artiste par une collection de 100 tableaux et autant de travaux sur papier, photographies et lettres datant de toutes les phases de son existence. Deux œuvres en trois parties de grand format «La saga de Prométhée» (1950, Courtauld Gallery, Londres) et «Les Thermopyles» (1954, Université de Hambourg) représentent un des sommets de l’œuvre mature de Kokoschka. Ces deux ensembles muraux n’ont été présentés ensemble qu’une seule fois, en 1962, à la Tate.