Agenda

Wilhelm Leibl (1844-1900) est l’un des plus importants représentants du réalisme en Europe, admiré par ses contemporains Gustave Courbet (1819-1877), influencé par Edward Manet (1832-1883) et respecté par Vincent van Gogh (1853-1890). Il a principalement peint des portraits et des intérieurs à motifs ruraux. Grâce à sa participation régulière à des expositions internationales à Vienne, Berlin, Hambourg, Munich, Budapest, Bâle, Winterthur, Zurich, New York et Washington, il a été considéré comme l’un des principaux réalistes européens.

Trente ans après la chute du mur de Berlin (1989), l’exposition After the Wall: Design since 1989 présente le design des trois dernières décennies. Le point de départ est l’influence des grandes évolutions technologiques, culturelles et sociopolitiques, telles que la pollution, le changement climatique, les ordinateurs et les téléphones portables, la (sur) consommation, le recyclage et l’exploitation des ressources naturelles. L’exposition présente le design et le graphisme de designers et de détaillants de toutes tailles, dont Jasper Morrison, Philippe Starck, Hella Jongerius, Muji et IKEA.

L’exposition présente les œuvres et le développement artistique de l’artiste bâlois Max Sulzbachner (1904-1985). Sulzbachner était avant tout un admirateur de l’expressionnisme (allemand) et d’Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), bien qu’il n’ait jamais fait partie du cercle de Kircher et de ses amis à Davos. Pendant son séjour à Berlin en 1921, il entre en contact avec l’expressionnisme. Il était membre du groupe d’artistes Rot-Blau à Bâle, plus tard Gruppe 1933. Sulzbachner était multi-talent, il était non seulement peintre, mais aussi scénographe, décorateur, designer, il a réalisé de nombreuses gravures sur bois, céramiques, caricatures et illustrations de livres. Moon Nights est le titre d’une série de gravures sur bois célèbres qu’il a créées en 1925, incluant des références stylistiques à Edvard Munch (1863-1944) et Kirchner. Die Mondnächte (Les Nuits de la Lune) ont mis en lumière un thème expressionniste commun basé sur le livre de Fyodor Dostojevski, Rodion Raskolnikoff, également connu sous le nom de Crime et Châtiment (1866). Le musée a eu la chance de trouver les carnets de dessins, lettres et autres écrits originaux. Cela a permis de reconstituer l’origine de ces célèbres gravures sur bois.

Après 1924 et son séjour à Paris, il se consacre au modernisme français et au surréalisme, influencé notamment par Salvador Dalí (1904-1989) et Robert Delaunay (1885-1941). Après 1945, jusqu’à sa mort, il est resté actif dans de nombreux domaines de l’art, de l’éducation, comme consultant et créateur de nombreuses œuvres. Il était aussi un célébrant passionné de la Fasnacht et peignait des lanternes, écrivait et illustrait des ballades « Schnitzelbank » et dessinait des costumes. Les ballades « Schnitzelbank » sont des performances satiriques et comiques pendant la Fasnacht. L’exposition présente ces différentes périodes artistiques dans un panorama bien documenté.

Romantisme, mélancolie, nature et peinture sont quelques-unes des clés de lecture universelles qui viennent ponctuer l’exposition. En valorisant la mixité entre art actuel et art ancien, l’oeuvre de Léopold Rabus (1977), un artiste suisse, est un dialogue constant avec l’histoire de l’art et et un éclairage inédit et vivifiant sur les collections du musée.. Réaliste en apparence, le quotidien que Rabus dépeint prend un caractère surréaliste et parfois parodique.Il réalise des peintures à huile, souvent des grands formats.

Les femmes n’ont pas toujours considéré les sacs comme des objets emblématiques. Jadis, bourses et petits sacs pouvaient être portés par les hommes comme par les femmes. D’un accessoire unisexe, le sac se transforma lentement au fil de l’histoire de la mode en sac à main exclusivement destiné aux femmes. On dut attendre 1875 pour assister au lancement du sac à main à poignée. Les femmes s’habituèrent alors rapidement à toujours porter un sac par sa poignée. La vague de prospérité du sac eut cependant lieu au 20^e siècle. Les créateurs de sacs les plus connus qui imposèrent leur style comme Louis Vuitton, Hermès, Gucci ou Prada étaient issus de l’artisanat de la sellerie et produisaient à l’origine de la maroquinerie de voyage luxueuse. Grâce à une habile mise en scène du milieu de la mode, le sac à main est considéré comme un symbole de la féminité. Au-delà des transformations historiques, une constante demeure: le sac est un objet hautement personnel. L’exposition présente autour de 400 pièces permet de se plonger dans l’histoire des sacs dès 1550.

Lors de la fondation du Bauhaus (1919), Johannes Itten (1888-1967) s’engagead’emblée, en tant qu’artiste et de façon radicale, pour une dématérialisation la plus grande possible des objets dans toutes les formes d’art, un concept auquel il donna une formulation programmatique dans le célèbre almanach du Bauhaus Utopia. Dokumente der Wirklichkeit.

Les journaux et carnets d’esquisse qui accompagnèrent la pratique artistique d’Itten à partir de 1913 constituent le coeur de l’exposition. L’exposition suit son parcours dans tous ses développements, de ses début en Suisse à ses étapes à Stuttgart, Vienne, Weimar et Herrliberg, sans oublier ses engagements, rarement évoqués, à Berlin, Krefeld et Amsterdam. L’interaction entre ses journaux et carnets et ses oeuvres picturales clés permet de poser un regard nouveau sur une certaine forme d’ouverture au monde d’Itten.

Le surréalisme est l’un des mouvements artistiques les plus influents du XXe siècle. L’exposition Objects of Desire : Surrealism and Design 1924 – Today cherche et présente le dialogue entre le surréalisme et le design et révèle l’influence énorme que le mouvement a exercée sur le design au cours des cent dernières années. Elle a encouragé les designers à questionner la réalité au-delà de ce qui est visible et à concevoir des objets qui offrent une résistance, sapent la routine et perturbent le quotidien. L’éventail des exemples va des ready-mades de Duchamp et des sculptures d’objets sensuels de Dalí aux œuvres de designers comme Carlo Mollino ou Gae Aulenti, en passant par les créations actuelles qui analysent les nouvelles technologies ou les rôles de genre.

L’exposition a pour titre Resonating Spaces. Les œuvres des artistes créent par des moyens d’expressions très divers une expérience spécifique de l’espace — par le son, la sculpture ou le dessin. Malgré leur diversité, on perçoit ces œuvres comme des espaces, plutôt que comme des objets individuels. D’un abord discret, elles produisent pourtant un effet puissant. Ces œuvres évoquent des espaces intermittents ouverts entre l’identifiable et l’éphémère. Elles créent des lieux de contemplation, où la faculté de réminiscence se libère et où les images et les souvenirs prennent vie.

Les masques sont un objet aussi ancien, et souvent controversé, que l’histoire culturelle de l’homme. Ils ont aussi une longue tradition dans les arts plastiques. Mais comment l’art contemporain traite-t-il le sujet? Les artistes contemporains ne s’intéressent pas seulement au masque en tant qu’objet, mais aussi à son rôle social, culturel et politique. Entre montrer et cacher, dans une société où le contrôle de son image est considéré comme l’indicateur du succès personnel, le masque revêt une force explosive.

Lorsque la Suisse est devenue une destination touristique au 18e siècle, en particulier pour les aristocrates, les artistes et les intellectuels allemands et anglais, c’est au 19e siècle que l’essor du tourisme s’est amorcé. Cela s’est accompagné d’une nouvelle forme de production d’images qui a servi ce souvenir même. Dans les années 1760, le paysagiste, dessinateur et graveur Johann Ludwig Aberli (1723-1786) a inventé la gravure de contour colorée à la main, un mélange d’impression et d’aquarelle. Connu sous le nom de « Aberlische Manier », il a ensuite été adopté et développé par des artistes tels que Heinrich Rieter (1751-1818). Ses estampes étaient des souvenirs qui ont été largement distribués comme images de la nouvelle Arcadie d’Europe, la Suisse. La Fondation de la famille Fehlmann, fondée en 2016 à l’initiative de Heinz Fehlmann-Sommer (1919-2015) de Winterthour, possède une collection fascinante de ces estampes à la manière Aberlis. Les feuilles seront présentées pour la première fois au public à l’occasion du centenaire de la naissance du fondateur de la fondation.